Образ женщины в искусстве. Как менялся идеал красоты от Нефертити до Марлен Дитрих - Дарья Оскин

Мужчины и женщины эпохи рококо уделяли большое внимание причёске. Чем выше и сложнее сооружение на голове, тем выше социальный статус его владелицы. Конструкция создавалась на основе каркаса из проволоки, дерева или китового уса, поверх которого укладывались собственные волосы и шиньоны. Для фиксации применяли помаду – густую смесь животного жира и воска, которая позволяла удерживать форму в течение многих дней. Завершённую укладку обильно посыпали пудрой из крахмала, толчёного риса или муки. Цвет пудры мог быть не только белым, но и розовым, голубым, сиреневым – оттенок подбирали в соответствии с нарядом или поводом.

Декор причёски соответствовал общей установке рококо на декоративную избыточность. Ленты, искусственные цветы, страусиные перья, драгоценности и миниатюрные фигурки превращали голову дамы в маленькую сцену. Наиболее эффектным воплощением этой тенденции стала мода на тематические прически. Так, в 1778 году, после морской победы французского флота, мадам де Жанлис появилась на приёме с прической, увенчанной моделью фрегата La Belle Poule. Подобные композиции могли изображать целые театральные сцены, пасторали с миниатюрными овцами или аллегории недавних политических событий.

Такая сложная форма имела бытовые и гигиенические последствия.

Причёски могли носиться неделями, и для сна дамы пользовались специальными подголовниками, чтобы не повредить конструкцию.

Смесь жира и пудры привлекала насекомых, поэтому для облегчения зуда в укладку вставляли длинные шпильки, позволяющие почесать кожу головы. Общеизвестны сатирические гравюры 1770-х годов, на которых дамы с высокими причёсками не могут войти в карету или поклониться без риска разрушить форму. В одном из анекдотических случаев при дворе Версаля высокую причёску мадам де Матиньон пришлось частично разбирать, чтобы она смогла пройти в дверной проём.

Мода

Основой женского костюма был корсет, формировавший треугольную линию плеч и приподнятый бюст, при этом утягивая талию и выпрямляя спину. Под юбку надевались paniers – каркасные конструкции на китовом усе, расширявшие платье в горизонтальной плоскости. Этот силуэт демонстрировал свободу от физического труда: женщина в таком костюме чувствовала себя свободно только в помещениях.

В моде – богатейшая и тонкая пастельная палитра с тончайшими цветовыми переходами: розовый, фисташковый, голубой, лимонный и т. д.

В духе фривольности того времени забавно звучат многие названия: «цвет парижской грязи», «испачканный навозом», цвет «молодой» или «старой блохи» и т. д. Такие ткани были очень дорогими, так как сырьё для них привозилось из дальних стран, а также потому, что эти ткани были пронизаны золотыми и серебряными нитями, неподдельными, из драгоценных металлов. Эпоха рококо стала временем моды на шёлковую набивную ткань и на расшитый шёлк и ситец. Интересный факт – стиль «шинуазри» (в дословном переводе с французского – «китайщина») со всеми веерами, пагодами, ширмами и китайскими зонтиками – это ответвление стиля рококо.

Главным законодателем в области моды была фаворитка Луи XV – экстравагантная маркиза де Помпадур. Её роскошный и праздный образ жизни считался достойным подражания. В девять лет гадалка предсказала ей блестящее будущее и близкие отношения с монархом Франции. Девочка росла очень целеустремлённой и её главной целью стал король Людовик XV, покорить сердце которого она мечтала. Вскоре Жанна-Антуанетта стала официальной фавориткой короля и поселилась в Версале. Она была его любовницей пять лет а ещё пятнадцать – другом и ближайшим советником по многим вопросам государственной важности. Чтобы король не потерял к ней интерес, она каждый вечер составляла для него «культурную программу», в которую входило общение с лучшими из лучших – писателями, философами, музыкантами, художниками.

Помпадур беззастенчиво пользовалась своим положением и назначала родственников и нужных людей на должности.

Именно ей приписывается фраза: «После нас хоть потоп». Маркиза построила фабрику, которая и по сей день выпускает знаменитый на весь мир севрский фарфор. Редкий розовый цвет фарфора, полученный в результате, назвали в её честь – Rose Pompadour.

Самый её известный портрет принадлежит кисти Буше. На портрете мадам де Помпадур изображена в момент «утончённого досуга»: она сидит в роскошном кресле, окружённая предметами, которые представляют её как интеллектуальную и культурную личность. На столике рядом – книги, гравюры, ноты, письма, чернильница. Позади виднеется богатый интерьер с пышными драпировками и позолоченной мебелью. Художник тщательно прописывает детали туалета: платье из изумрудно-зелёного шёлка, обильно отделанное кружевом и лентами, с характерной рокайльной асимметрией в орнаменте. Цветовая гамма картины построена на сложных, слегка приглушённых тонах, что смягчает пышность и делает образ утончённым. Лицо маркизы лишено холодной официальности – взгляд прямой, чуть насмешливый, губы с лёгкой полуулыбкой.

Франсуа Буше. Портрет Мадам де Помпадур. 1756. Старая Пинакотека. Мюнхен. Германия

Главные художники эпохи рококо

Антуан Ватто (1684–1721) – фигура переходная и во многом уникальная в истории французского искусства XVIII века. Он работал в период регентства Филиппа Орлеанского, когда величественная помпезность двора Людовика XIV сменялась более камерной, интимной культурой. Ватто стоит на границе между барочной риторикой «короля-солнца» и изысканной игрой рококо, предвосхитив его изобразительный язык. Он не был придворным живописцем в строгом смысле, но создал отдельный жанр fêtes galantes – «галантные празднества» – женские и мужские фигуры в контексте музыки, бесед и прогулок. Художник, по выражению братьев Гонкур, «рисовал не людей, а их грёзы о любви». Его женские образы – очень поэтичны, они всегда немного отстранённые, с внутренней жизнью, не сводящейся исключительно к кокетству. Ватто избегает прямых жестов соблазнения: его женщины – фигуры из театра commedia dell’arte, которые могут скрывать свои чувства за маской. Современники отмечали мечтательную меланхолию его персонажей, видя в них отголосок уходящего века утончённой любви.

«Паломничество на остров Киферу» (первый вариант, 1717, Лувр) – это ключевая работа художника в жанре fêtes galantes. Картина была представлена в Королевской академии художеств и принесла Ватто официальное признание.

Сюжет формально опирается на античный миф: Киферу считали островом, посвящённым Афродите, местом, куда влюблённые отправлялись, чтобы обрести счастье. Но у Ватто этот миф становится лишь поэтическим предлогом. Его герои – не античные греки, а изысканные парижане начала XVIII века в костюмах своего времени.

Композиция построена по диагонали и разворачивается как театральная сцена. Слева – пары, готовящиеся к отплытию: их жесты осторожны, взгляды полны намёков. Справа – влюблённые, уже сошедшие на цветущий берег, где мраморная статуя Афродиты и пышная растительность создают идеализированное пространство любовной идиллии.

Мягкая цветовая палитра, серебристый свет и текучесть линий создают эффект зыбкой, почти музыкальной гармонии. Картина, по выражению братьев Гонкур, «пахнет театром и грёзой», превращая античный миф в утончённую аллегорию любви как далёкого путешествия.

Франсуа Буше был гравёром и декоратором, ведущим мастером стиля рококо, официальным художником при